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Nicolas Fiszman "Nicolas Fiszman"

Chrys — 2025-12-26T14:48:48Z

Avec son album éponyme paru en 2023 chez Cristal Records, Nicolas Fiszman dévoile une facette plus intime de son univers. Connu comme bassiste, il revient ici à la guitare pour un jazz moderne, élégant et profondément collectif.

Sorti en 2023 sur le label Cristal Records, l'album Nicolas Fiszman marque une étape importante dans le parcours de l'artiste. Principalement connu pour son rôle de bassiste, Nicolas Fiszman a choisi, pour ce projet personnel, de revenir à son instrument initial : la guitare. Un retour aux sources qui donne à cet album une dimension intime et profondément assumée.

Projet éponyme, le disque agit comme une prise de parole claire, où le musicien expose sans détour son univers, fait de nuances, d'écoute et d'équilibre. Dès les premières plages, l'album installe un climat de confiance. La guitare de Fiszman ne cherche jamais l'esbroufe ; elle privilégie la ligne juste, le placement précis et le rapport sensible au son.

Le jazz qui traverse cet album est résolument contemporain, mais jamais déconnecté de ses racines. On y retrouve un sens aigu de la mélodie, une écriture structurée mais ouverte, et surtout une attention constante portée au jeu collectif. Chaque morceau semble construit comme un espace de dialogue, où l'improvisation ne rompt jamais le fil narratif.

Cette richesse sonore doit beaucoup à la qualité des musiciens réunis autour de Nicolas Fiszman. À ses côtés, Ziv Ravitz à la batterie et Nicolas Thys à la basse forment une section rythmique souple et inventive. Les couleurs s'élargissent avec Olivier Bodson au bugle et à la trompette, Frank Deruytter au saxophone ténor, Arnould Massart et Nicola Andrioli au piano, ainsi que Tuur Florizoone à l'accordéon, dont les interventions apportent une dimension singulière et expressive à l'ensemble. À noter également la présence remarquée de Philip Catherine, invité spécial, pour un solo de guitare tout en élégance et en maîtrise.

Les ambiances oscillent entre introspection et énergie contenue. Certaines pièces invitent à une écoute presque méditative, tandis que d'autres s'appuient sur une rythmique plus affirmée, toujours au service du discours musical. Cette alternance donne à l'album une dynamique naturelle, sans rupture artificielle.

L'écriture de Nicolas Fiszman évoque parfois un caractère cinématographique, tant les paysages sonores sont suggérés avec finesse. Les silences, les textures et les variations de timbre participent pleinement à l'identité du disque, renforçant cette impression de cohérence et de maturité.

Avec Nicolas Fiszman, le musicien livre un album posé, sincère et profondément musical. Un disque qui ne cherche pas à séduire par l'effet, mais par la qualité de son propos et la justesse de son expression. Une œuvre qui s'adresse à l'auditeur attentif et qui révèle toute sa richesse au fil des écoutes.

Lien d'achat : Nicolas Fiszman

Precious Time 3 de Sébastien Charlier

Chrys — 2025-12-16T09:00:00Z

Avec PR3-TM3 Sébastien et Nicolas livrent le troisième et dernier volet d'une trilogie ambitieuse. Conçu en duo cet album met en lumière un dialogue musical intense où le temps le son et l'écoute deviennent centraux.

Precious Time 3 : la conclusion d'une trilogie essentielle

PR3-TM3 est le troisième et dernier volet d'une trilogie imaginée par Sébastien et Nicolas. Dès l'origine, cette série d'albums a été pensée comme un terrain d'exploration autour du temps, du son et des possibilités expressives de l'harmonica diatonique. Ce dernier chapitre en est l'aboutissement naturel (à la fois synthèse, affirmation et point final).

Dès les premières mesures, l'album impose une évidence (ici, la virtuosité n'est jamais gratuite). Si Sébastien impressionne toujours par sa maîtrise technique hors normes (altérations d'une précision chirurgicale, phrasé d'une fluidité remarquable, capacité rare à faire oublier l'instrument au profit d'une expression musicale totalement libre), tout est désormais mis au service du sens. L'harmonica devient une voix à part entière, capable de porter un discours musical riche, nuancé et profondément personnel.

Le choix du format en duo, uniquement composé de Sébastien et de Nicolas Espinasse, est au cœur de l'identité de ce troisième volet. Cette configuration radicale met la musique à nu. Sans couches superflues ni artifices, chaque note, chaque accent, chaque silence prend une importance particulière. Le temps, fil conducteur de la trilogie, devient ici une matière vivante, presque palpable.

Nicolas Espinasse occupe une place essentielle dans cet équilibre. Plus qu'un simple partenaire, il est un véritable interlocuteur musical. Sa présence structure le discours, nourrit le dialogue et permet à la musique de se déployer avec liberté et tension. La relation entre Sébastien et Nicolas repose sur une écoute constante, où l'improvisation se construit dans l'instant, avec une confiance mutuelle évidente.

Comparé aux deux premiers albums de la trilogie, PR3-TM3 se distingue par une forme d'évidence tranquille. Là où les précédents volets pouvaient parfois donner le sentiment d'un défi permanent, ce troisième chapitre respire la maturité. Sébastien n'a plus rien à prouver (il raconte, il suggère, il laisse respirer la musique). Cette posture donne à l'album une profondeur qui se révèle pleinement à mesure que les écoutes se multiplient.

En refermant cette trilogie, Sébastien et Nicolas livrent une œuvre dense et cohérente. PR3-TM3 s'impose comme une conclusion habitée, où deux voix suffisent à créer un univers complet, et où le temps devient, plus que jamais, un espace de liberté musicale.

Lien d'achat Precious Time 3

ROCKETS - Some Other Space, Some Other Live !

Chrys — 2025-11-26T15:00:49Z

Avec Some Other Space Some Other Live, Rockets signe un retour scénique électrisant qui mêle modernité et ADN cosmique. Ce nouvel album live capte l'intensité brute du groupe et confirme sa place incontournable dans le space rock. Un voyage sonore vibrant qui reconnecte passé mythique et renouveau assumé.

Quarante-cinq ans après avoir électrisé l'Europe avec leur space-rock argenté, les Rockets prouvent qu'ils n'ont rien perdu de leur pouvoir d'attraction. Leur nouvel album live, Some Other Space, Some Other Live !, capture l'essence de leur dernier tour de scène et remet en lumière un groupe plus vivant que jamais, déterminé à montrer que leur univers n'appartient pas qu'au passé.

Un retour sur scène qui reprend de l'altitude

Enregistré lors de leur tournée récente, une série de concerts à guichets fermés où les fans de toutes générations sont venus renouer avec l'esthétique futuriste de la formation, ce nouvel opus se présente comme une déclaration d'intention : montrer que l'énergie, la tension électrique et la communion avec le public ne peuvent véritablement s'exprimer qu'en live.

Le projet a été pensé comme un instantané, sans surproduction ni retouches superflues. Cette approche brute donne au disque une intensité palpable, presque physique, qui rappelle à quel point la scène a toujours été le terrain naturel du groupe.

Histoire du Groupe Rockets

Pour comprendre l'âme de Some Other Space, Some Other Live !, il faut se pencher sur celles et ceux qui incarnent aujourd'hui l'esprit du groupe et le propulsent vers l'avenir.

La formation actuelle, menée par l'infatigable Fabrice Quagliotti, perpétue l'héritage spatial du groupe tout en y apportant une énergie moderne et plus organique :

Fabrice Quagliotti – claviers, synthétiseurs
Fabri Kiarelli – chant
Gianluca Martino – guitare
Rosaire Riccobono – basse
Daniele Quarto – batterie, percussions

Daniele Quarto a récemment pris la place d'Eugenio Mori à la batterie. Eugenio, membre clé depuis 2005, a choisi cet été de se consacrer à d'autres projets personnels. L'arrivée de Daniele apporte un souffle frais, une dynamique renouvelée et une approche musicale prometteuse qui se ressent déjà dans la nouvelle direction scénique du groupe.

Une lignée sonore qui traverse les décennies

Cette généalogie musicale montre à quel point l'histoire des Rockets est riche, dense, presque mythologique. La présence de Fabrice Quagliotti dans le groupe actuel agit comme un fil conducteur entre les différentes époques, tandis que la nouvelle formation insuffle un vent de modernité qui permet au groupe de rester pleinement vivant.

Entre ADN cosmique et renouveau assumé

Musicalement, Some Other Space, Some Other Live ! réussit ce que peu de formations historiques parviennent à réaliser : unir la nostalgie de leurs grandes années à une énergie résolument contemporaine.

Les synthés monumentaux, les pulsations électroniques et les riffs galactiques signent le retour du son Rockets dans toute son ampleur. Mais la nouvelle incarnation du groupe n'a rien d'un simple hommage : elle avance, elle bouscule, elle propose.

Le chant, plus moderne et plus frontal qu'à l'époque des Silver Years, peut surprendre, mais il s'impose comme un élément clé de cette nouvelle dynamique, permettant au groupe de naviguer librement entre héritage et réinterprétation.

Un hommage vibrant à l'histoire du groupe

Au-delà de la performance, l'album fonctionne aussi comme un geste de mémoire. Le livret rend hommage aux membres historiques récemment disparus, rappelant que l'aventure Rockets est faite de visages, de machines, de concerts qui ont marqué des générations d'auditeurs.

Cette dimension ajoute une profondeur émotionnelle au live, où l'on perçoit une volonté d'inscrire l'œuvre dans la continuité, entre respect du passé et affirmation d'un présent en mouvement.

Un équilibre lumineux entre passé et futur

La setlist offre un voyage complet, où les morceaux récents côtoient les titres fondateurs qui ont propulsé le groupe dans la mythologie du space-rock. Le contraste fonctionne à merveille, les classiques retrouvent une vigueur neuve tandis que les compositions modernes s'intègrent naturellement dans l'architecture sonore de l'ensemble.

Certains fans regretteront peut-être un léger éloignement des textures ultra-spatiales des débuts, mais ils y gagneront une énergie scénique authentique, vibrante, qui redonne vie à l'imaginaire cosmique du groupe sans en faire une relique.

Verdict ! un live qui rallume les étoiles

Avec Some Other Space, Some Other Live !, les Rockets rappellent qu'ils ne sont pas qu'un souvenir chromé des années 70-80, mais une formation toujours en orbite, capable de se réinventer sans se renier.

Ce live est une porte d'entrée idéale pour ceux qui souhaitent découvrir le groupe aujourd'hui, mais aussi un cadeau précieux pour les fans historiques qui attendaient depuis longtemps une captation à la hauteur de leur légende.

Un voyage sonore fidèle à leur mythologie, mais suffisamment moderne pour embarquer une nouvelle génération.

Les Rockets montrent une fois encore que l'espace n'est jamais très loin, il suffit d'appuyer sur play.

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Mode Halles - Denis BIOTEAU

Chrys — 2025-09-20T12:45:00Z

Avec Mode Halles, Denis Bioteau transforme son big band en laboratoire sonore. Cet album unique explore jazz, funk, R'n'B et musiques contemporaines, alliant rigueur et liberté. Une fresque musicale où chaque musicien révèle sa personnalité.

Quand le big band devient laboratoire sonore

Avec Mode Halles, Denis Bioteau signe une œuvre singulière dans le paysage musical français. Chef, compositeur, arrangeur, il entraîne son it-big BAND dans une aventure qui croise vingt-cinq ans de recherches personnelles sur la composition et l'improvisation. Ce disque n'est pas une simple collection de morceaux, mais une suite en cinq tableaux, une fresque où se côtoient jazz, funk, R'n'B et musiques contemporaines.

L'album revendique une ambition claire : abolir les frontières entre le savant et le populaire. Ici, l'écriture rigoureuse (polytonalité, modes, travail sériel) se marie sans complexe avec le groove, la puissance rythmique et l'énergie des solistes. Chaque mouvement met en lumière des musiciens différents, révélant la richesse collective de l'orchestre autant que les personnalités qui le composent.

L'ouverture, Mode Alitée, installe d'emblée un climat frontal, presque rock, qui déroute et électrise. Puis viennent les contrastes :

Mode Hic joue la jubilation funky des cuivres
Mode et Ration offre une respiration lyrique
Mode et Liste embrase le big band dans une écriture plus acérée
avant que Comme Mode ne referme la suite avec une douceur teintée de mélancolie

Tout au long du disque, les thèmes circulent, se transforment, réapparaissent : un jeu d'échos qui donne au projet sa cohérence profonde.

Au-delà de sa richesse sonore, Mode Halles dit aussi quelque chose de l'époque : le refus des cloisonnements, l'envie de puiser à toutes les sources, l'audace de conjuguer rigueur et liberté. C'est un disque de musicien mais aussi un manifeste d'artisan, qui se situe à la croisée des chemins – là où les styles se rencontrent, se frottent et finissent par inventer un langage commun.

Denis Bioteau livre ainsi une œuvre ambitieuse, généreuse et foisonnante, où la musique se vit comme une expérience collective. Mode Halles n'est pas seulement un album, c'est une traversée, une manière de dire que l'art, pour rester vivant, doit rester en mouvement.

Le disque est disponible à l'achat ici : DenisBioteau.bandcamp-mode-halles

Extended Minimalism Vol. 1 de Kevin Reveyrand

Chrys — 2025-08-06T14:30:00Z

Dans Extended Minimalism Vol. 1, Kevin Reveyrand réunit des instruments aux tessitures graves pour créer un univers sonore subtil et audacieux. Entre jazz contemporain et écriture minimaliste, le bassiste affirme une voix unique.

Avec Extended Minimalism Vol. 1, Kevin Reveyrand signe un manifeste sonore aussi exigeant que sensible. Le bassiste, fidèle à sa démarche d'exploration au long cours, y déploie une écriture toujours plus affirmée, affranchie des carcans stylistiques. Il assemble autour de sa basse une palette instrumentale singulière, faite d'instruments aux fréquences graves — saxophone baryton, tuba, violoncelle — pour mieux en faire jaillir une clarté insoupçonnée.

Le projet repose sur un principe aussi simple qu'audacieux : une série de trios, chacun enrichi soit d'un quatuor à cordes (arrangé avec finesse par Khalil Chahine ), soit de percussions. C'est cette alternance qui structure l'album en neuf pièces, toutes façonnées autour d'un dialogue intime entre les timbres. On y croise des figures marquantes : Céline Bonacina et son sax baryton charismatique, Thomas Leleu et son tuba aux élans lyriques, Isabelle Sajot au violoncelle introspectif, et Stéphane Edouard en éclaireur rythmique.

Le titre de l'album évoque le minimalisme, mais il s'agit ici d'un minimalisme étendu, habité, en perpétuelle expansion. Une manière d'aller à l'essentiel sans se priver de complexité ni d'émotion. Les morceaux, tels Pierrot, Until It's Gone ou Reason and Heart, sont traversés d'un souffle narratif fort. La basse y tient à la fois le rôle de fondation, de guide mélodique et d'espace de respiration. Loin de s'imposer, elle inspire, suscite, dialogue.

On sent chez Reveyrand le désir de fusionner les disciplines, de faire dialoguer les musiques savantes et l'improvisation, le jazz et la musique de chambre, le rythme et la contemplation. Enregistré en décembre 2024 entre Montmartre Recording et UFO Studio, l'album bénéficie d'une production limpide, signée de la main du maître d'œuvre lui-même, avec un mastering élégant de Simon Lancelot.

Extended Minimalism Vol. 1 est un album qui récompense l'écoute attentive. Il exige, certes, mais il offre en retour un monde riche, cohérent, lumineux, à l'image de ce musicien qui, entre les collaborations prestigieuses (de Robben Ford à Billy Cobham ), poursuit une quête personnelle, sincère et profondément humaine.

Un disque de bassiste qui transcende son instrument pour embrasser une vision musicale complète. Profond, précis, rare.

À suivre absolument. Sortie de l'album prévue pour fin septembre 2025.

Pascal Mulot explore l'émotion avec son album Compassion

Chrys — 2025-07-30T12:00:00Z

Avec Compassion, Pascal Mulot livre un album instrumental intense et profondément humain. Entre groove maîtrisé et poésie sonore, le bassiste français redonne à son instrument toute sa voix.

Il y a des albums qui vous happent dès les premières notes, sans prévenir. Compassion, le dernier projet de Pascal Mulot, fait partie de ceux-là. Sorti en avril 2025, il marque le retour d'un des bassistes les plus brillants – et pourtant discrets – de la scène française. Trente ans après ses débuts solo, Mulot signe ici une œuvre aussi aboutie que touchante.

La maturité au service de l'émotion

Ceux qui connaissent Purple Eyes, Bass & Love ou encore Tsar Bomba retrouveront des couleurs familières : un sens aigu de la mélodie, une technique irréprochable, un goût pour la fusion des styles (rock, jazz, funk, métal). Mais dans Compassion, tout cela semble filtré par une forme de sérénité. Mulot ne cherche plus à démontrer quoi que ce soit : il joue vrai.

Le résultat, c'est un disque instrumental profondément humain. Chaque morceau propose un climat, une atmosphère, un état d'âme. “Amfaits (All My Friends Are In The Sky)” ouvre l'album comme une prière en apesanteur. “Gravity” impose un groove plus tendu, presque cinématographique. Le superbe “Compassion”, titre central, fait figure de confession sans paroles. On y entend tout : l'intensité, la retenue, le vécu.

La basse comme voix principale

Un des sommets de l'album est sans doute la reprise de “Spain” de Chick Corea, en duo avec Patrick Rondat, déjà présent sur Tsar Bomba. La rencontre est subtile, élégante, respectueuse. Là encore, la basse ne se contente pas d'assurer le rôle traditionnel de l'instrument grave. Elle devient mélodie, harmonie, souffle. Elle prend littéralement la parole, sans dire un mot.

C'est d'ailleurs toute la force de Compassion : faire chanter la basse comme une voix intérieure. À aucun moment l'instrument ne cherche à dominer. Il s'impose naturellement, en douceur, avec évidence.

Un son organique, à contre-courant

La production, assurée par Steve Prestage, est en parfaite adéquation avec l'esprit du disque. Le son est clair, ample, vivant. On sent que les prises ont été pensées pour préserver la dynamique naturelle des instruments. Rien n'est trop compressé, rien n'est artificiel. Et dans une époque où la musique est souvent surproduite, cela fait du bien.

On entend tout : les frottements, les silences, les respirations. Et cela renforce encore cette sensation d'écoute intime, presque physique.

Un album rare et nécessaire

Ce que propose Pascal Mulot avec Compassion, ce n'est pas un “album de bassiste” dans le sens démonstratif du terme. C'est un album d'auteur. Un disque sincère, sensible, maîtrisé, mais sans jamais perdre son âme. Il ne s'agit pas ici de briller, mais de transmettre.

Et ça fonctionne. On est ému, surpris, impressionné parfois, mais surtout touché. Par la sincérité. Par le choix des notes. Par l'équilibre entre la technique et la poésie.

Compassion est un album rare. Un disque qui ne cherche pas le buzz, mais qui laisse une empreinte. Qui prend son temps. Qui vous accompagne au-delà de la dernière note.

Et qui confirme une chose essentielle : entre les mains d'un vrai musicien, la basse peut devenir bien plus qu'un instrument. Elle peut devenir une voix.

Christophe Violland revisite les Beatles

Chrys — 2025-07-27T18:00:00Z

Avec Frenchblackbird, Christophe Violland Orchestra propose une réinterprétation innovante des plus grands tubes des Beatles. Entre arrangements orchestraux modernes et voix soul légendaires, cet album offre une expérience musicale intense et originale. Un hommage vibrant et inédit à découvrir absolument.

Et si les Beatles s'offraient une nouvelle vie dans un costume de funk symphonique ? C'est le pari audacieux et brillamment relevé par le Christophe Violland Orchestra, qui revisite une douzaine de titres emblématiques du groupe britannique à travers un prisme orchestral moderne, rythmé et sensible. Avec Frenchblackbird, Christophe Violland signe un album généreux et élégant, où l'hommage devient une véritable recréation artistique.

Les Beatles comme vous ne les avez jamais entendus

Dès les premières secondes de Tentet t'aime 2 (Opening), on comprend que l'on entre dans un univers unique : celui d'un orchestre qui groove, qui respire, et qui danse. Les morceaux cultes des Beatles sont réarrangés avec une liberté créative rare, portés par des orchestrations ambitieuses, des textures riches et une rythmique précise.

Des titres comme Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, Eleanor Rigby, Come Together ou The Fool on the Hill sont entièrement réinventés. Cuivres puissants, cordes vibrantes, claviers luxuriants et percussions fines offrent à chaque chanson une nouvelle identité, à la fois fidèle à l'esprit original et résolument contemporaine.

Un moment particulièrement saisissant est l'interprétation de Blackbird, entièrement a cappella. Ce choix audacieux met en lumière la pureté et la délicatesse du morceau, offrant une respiration intime et émouvante au milieu des arrangements plus denses. La maîtrise vocale et l'émotion brute qui se dégagent de cette version donnent à Blackbird une dimension presque sacrée, renforçant la richesse émotionnelle de l'album.

Des voix légendaires, entre soul, funk et émotion

Ce qui rend Frenchblackbird si singulier, c'est la présence de chanteurs emblématiques issus de formations majeures de la soul et du funk. Plutôt que d'imiter les Beatles, ces voix réinterprètent les chansons avec caractère et émotion, insufflant à chaque morceau une nouvelle profondeur.

Sur Penny Lane, c'est Mark King, bassiste et chanteur de Level 42, qui donne de la voix. Son timbre funky, immédiatement reconnaissable, apporte une modernité rythmique et une touche dansante inattendue à cette balade urbaine.

La magnifique version d'Eleanor Rigby est portée par Alan Gorrie, fondateur de l'Average White Band, dont la voix soul se fond dans les cordes dramatiques de l'orchestration, accentuant encore la mélancolie du titre.

Tom Bowes, ancien chanteur de Tower of Power, offre deux interprétations puissantes et habitées sur The Long and Winding Road et We Can Work It Out. Sa voix profonde, vibrante, donne un poids nouveau à ces chansons empreintes de tension et d'espoir.

Sur Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band et Band on the Run, c'est Carmen Grillo, autre figure de Tower of Power, qui fait rugir les cuivres et fait monter l'intensité. Sa voix brute et expressive donne à ces titres une énergie live communicative.

Enfin, The Fool on the Hill trouve une interprétation sensible et nuancée grâce à Dino Jag, ancien soliste de l'Australian Symphonic Orchestra. Sa voix douce et pleine de relief donne une dimension poétique à cette version élégamment orchestrée.

Chacun de ces chanteurs ne se contente pas d'intervenir ponctuellement : ils incarnent leur morceau avec force et sincérité, devenant les véritables narrateurs d'un projet musical profondément habité.

Une aventure orchestrale libre et cohérente

L'album, encadré par deux versions du thème Tentet t'aime 2, se déploie comme une œuvre complète, presque narrative. Il ne s'agit pas d'un simple album de reprises, mais d'un projet mûrement pensé, aux arrangements riches et à la direction artistique affirmée.

Loin de l'exercice de style, Frenchblackbird réussit à concilier respect de l'héritage mélodique des Beatles et liberté d'interprétation. Les influences sont nombreuses — funk, jazz, soul, musique de film — mais toujours au service d'un son cohérent, fluide et raffiné.

À écouter absolument

Frenchblackbird est une réussite totale. Grâce à ses orchestrations brillantes, ses invités prestigieux et son audace musicale, Christophe Violland propose bien plus qu'un hommage : une relecture exigeante, vivante, actuelle, et profondément musicale.

Un disque à écouter attentivement, à volume généreux, pour redécouvrir autrement des chansons que l'on pensait connaître par cœur.

Rockets The Final Frontier un album cosmique majeur

Chrys — 2025-07-19T12:00:00Z

Les légendaires Rockets signent un retour marquant avec The Final Frontier. Un album entre hommage et renouveau, alliant space-rock vintage et modernité, accompagné d'une tournée ambitieuse.

Le groupe mythique Rockets est de retour avec un album aussi attendu que symbolique : The Final Frontier, sorti le 31 octobre 2024. Cet opus marque un cap particulier dans l'histoire du combo spatial franco-italien : un retour assumé aux sources, avec un regard résolument tourné vers l'avenir. Entre hommages et nouvelles explorations sonores, The Final Frontier s'impose comme une pièce charnière de leur discographie.

L'album est disponible à l'achat ou en streaming sur toutes les plateformes les plus connues : Spotify, Deezer, Amazon Music, Apple Music, YouTube Music ainsi que sur Zamusica (Italie).

Un voyage entre passé et futur

Après avoir revisité leur propre histoire avec Time Machine (2023), album de reprises et relectures de classiques, les Rockets reprennent ici la route des compositions originales. The Final Frontier est un disque qui puise clairement dans le répertoire space-rock des années 70 et 80, tout en modernisant les arrangements et les textures. Les fans de Plasteroid ou de Galaxy retrouveront des sonorités familières, mais cette fois, le son est plus épuré, mieux produit et moins compressé que sur les dernières productions.

Le choix du format est également révélateur : 10 titres pour la version vinyle, auxquels s'ajoutent 4 morceaux bonus sur la version CD et digitale, dont une suite instrumentale en trois parties qui clôt le disque avec élégance.

Des musiciens en pleine maîtrise

La force de The Final Frontier, c'est aussi la cohésion d'un groupe qui connaît son ADN sur le bout des doigts. Chaque membre apporte ici une contribution essentielle :

Fabrice Quagliotti, claviériste historique du groupe depuis 1977, reste le maître des atmosphères cosmiques. Il joue avec les textures, les nappes électroniques et les vocoders avec une subtilité qui fait mouche.

Fabri Kiarelli, chanteur et guitariste, s'affirme comme le moteur créatif de ce disque. Il signe plusieurs compositions majeures (Ride the Sky, Break the Silence, Cyber Love) et impose un chant plus naturel, moins robotisé que sur les précédents albums. Sa voix renoue avec la chaleur humaine des premiers Rockets, tout en restant dans l'esthétique galactique.

Gianluca Martino, à la guitare, brille notamment sur les morceaux plus mélodiques comme Ballade pour la Terre, où son jeu se fait aérien, presque cinématographique.

Rosaire Riccobono, bassiste fidèle, ancre le son du groupe avec des lignes efficaces, tantôt classiques, tantôt synthétiques. Il apporte une profondeur rythmique essentielle sur des titres comme Flesh and Bones ou Break the Silence.

Eugenio Mori, à la batterie, oscille entre grooves électroniques et percussions acoustiques, donnant du relief et de la dynamique à l'ensemble.

Le grand frisson vient aussi de la participation exceptionnelle d'Alain Maratrat, membre fondateur et guitariste emblématique des Rockets des années 70. Il signe un solo poignant sur Cosmic Castaway, morceau-hommage qui prend une résonance particulière depuis sa disparition en mai 2025. Son intervention, sobre et émotive, est l'un des sommets du disque.

Des titres forts et variés

Le voyage proposé par The Final Frontier est riche et cohérent. L'album s'ouvre avec Ride the Sky, un titre énergique où riffs accrocheurs et refrains fédérateurs plongent directement l'auditeur dans l'univers Rockets.

Avec Flesh and Bones, les musiciens dévoilent une ballade émotionnelle, portée par la guitare délicate de Martino et le chant subtil de Kiarelli.

Ballade pour la Terre offre un moment contemplatif : un instrumental atmosphérique où le duo piano-guitare fait merveille, créant une ambiance quasi cinématographique.

Sur Cyber Love, les Rockets assument un côté plus électro-metal, avec un riff puissant et des sonorités presque cyberpunk, évoquant par moments Judas Priest dans l'espace.

Enfin, Cosmic Castaway s'élève comme un hommage sensible, traversé par le jeu cristallin de Maratrat. Ce morceau marque sans doute l'un des temps forts émotionnels du disque.

Le triptyque bonus Epilogue (Part 1-3) conclut l'album de manière ambitieuse : une suite progressive mélangeant synthés rétro, mélodies mélancoliques et envolées instrumentales. Une façon pour les Rockets de relier leur passé argenté à leur présent électronique.

Une tournée bien remplie

Côté scène, les Rockets n'ont pas chômé. Après la sortie de The Final Frontier, le groupe a enchaîné une quinzaine de dates cet hiver à travers la France et l'Italie, renouant avec un public fidèle et intergénérationnel.

Pour l'été 2025, six concerts sont déjà programmés au mois d'août, avec des passages attendus dans plusieurs festivals européens. Mais les choses ne s'arrêtent pas là : une nouvelle tournée d'hiver est annoncée pour début 2026, avec une vingtaine de dates prévues. Preuve que les Rockets, loin de s'essouffler, continuent d'arpenter la scène avec une énergie intacte.

Conclusion : un adieu ou un renouveau ?

Avec The Final Frontier, les Rockets signent un album sincère et inspiré, qui réconcilie les fans de la première heure avec les sonorités du 21e siècle. Loin des productions trop chargées des dernières années, le groupe retrouve ici une fraîcheur dans les compositions et une authenticité dans l'interprétation. Chaque musicien trouve sa place, sans surcharge ni esbroufe.

S'agit-il d'un chant du cygne ou d'un nouveau départ ? Difficile à dire. Mais une chose est sûre : si The Final Frontier devait être leur ultime voyage, il s'agirait d'un adieu digne, lumineux, et surtout fidèle à leur légende cosmique.

Tristan Frou-Frou nouvel album jazz funk soul 2025

Chrys — 2025-07-17T12:30:00Z

Le groupe néerlandais Tristan revient en force avec Frou-Frou, son huitième album studio. Alliant groove vintage et énergie moderne, ce disque met en avant la voix exceptionnelle d'Irma Derby et une section rythmique solide. Une expérience musicale à ne pas manquer en 2025.

Avec Frou-Frou, leur huitième album studio, les Néerlandais de Tristan confirment qu'ils sont bien plus qu'un groupe de scène : une formation soudée, exigeante et profondément ancrée dans la tradition du jazz-funk et de la soul, tout en restant résolument moderne. Ce nouveau disque, à la fois luxueux et lumineux, porte bien son nom : Frou-Frou, comme une promesse de brillance, de style, et d'un supplément d'âme.

Au cœur du projet, on retrouve le trio fondateur : Sebastiaan Cornelissen (batterie), Frans Vollink (basse) et Coen Molenaar (claviers), trois musiciens dont la complicité musicale et la maîtrise technique ne sont plus à prouver. Ensemble, ils constituent une section rythmique redoutablement solide, capable d'alterner grooves ciselés, passages plus aériens et moments d'improvisation avec un naturel déconcertant. Cornelissen, précis et inventif derrière les fûts, apporte une énergie à la fois fluide et percutante. Vollink déroule des lignes de basse souples et chaleureuses, tandis que Molenaar, artisan du son Tristan, mêle Rhodes, synthés et textures analogiques avec goût et intelligence. À noter d'ailleurs sa récente collaboration avec Incognito, où il coécrit deux titres du dernier album Into You.

Ce socle musical déjà très fort est enrichi par deux nouvelles recrues qui marquent un véritable tournant pour le groupe. D'abord Irma Derby, chanteuse au charisme immédiat et à la voix somptueuse, à la fois puissante et caressante, dans la lignée de Randy Crawford ou Donna Summer. Elle incarne l'âme de Frou-Frou, donnant corps et émotion à chaque morceau, de la ballade feutrée au funk le plus effervescent. C'est elle qui, par sa présence et son interprétation nuancée, fait de titres comme I've Been Loving You Too Long ou Rising Up de véritables moments de grâce.

À la guitare, Glenn Black complète le tableau. Son jeu, à la fois funky, nerveux et élégant, s'intègre parfaitement à l'univers Tristan. Il insuffle une énergie neuve, une dynamique rythmique subtile et précise qui rappelle parfois les grandes heures de Tower of Power ou des Brand New Heavies.

Tout au long des 12 titres de l'album, Tristan tisse une soul contemporaine, colorée d'influences funk, acid-jazz et pop, sans jamais tomber dans la redite. Leur son évoque les années 70 par ses textures vintage et sa chaleur analogique, mais s'adresse au public d'aujourd'hui par son énergie et sa modernité. Chaque composition semble pensée pour le live, avec assez d'espace pour laisser s'épanouir l'improvisation — un choix assumé par le groupe, qui aime faire de chaque concert un moment unique.

Après plus de 80 dates autour de leur précédent opus SEVEN, Tristan reprendra la route au printemps 2025, avec une tournée qui passera par :

la Pologne
la France
le Japon
l'Allemagne
l'Espagne
le Royaume-Uni
et bien sûr les Pays-Bas.

À l'image de leur musique, leurs concerts sont des bouffées d'optimisme, portées par un amour communicatif du groove et du jeu collectif.

Line-up :

Irma Derby – chant
Glenn Black – guitare
Coen Molenaar – claviers
Frans Vollink – basse
Sebastiaan Cornelissen – batterie

En savoir plus, écouter l'album et retrouver les prochaines dates : www.tristanmusic.eu

Avec Frou-Frou, Tristan signe un album où virtuosité, passion et groove se conjuguent pour offrir une expérience musicale aussi élégante qu'inoubliable, confirmant leur place incontournable sur la scène soul et jazz-funk internationale.

Lari Basilio – Redemption

Chrys — 2025-05-27T13:33:46Z

Dans Redemption, la guitariste brésilienne Lari Basilio marie virtuosité et profondeur spirituelle. Un album lumineux, où chaque note devient prière, et chaque silence, un chemin vers l'essentiel.

Dans Redemption, Lari Basilio conjugue foi et finesse avec une maîtrise qui transcende la simple démonstration guitaristique. Loin des clichés du shred ostentatoire, elle tisse un dialogue intime entre technique ciselée et quête intérieure. L'album, baigné d'une lumière sincère, semble répondre à un appel plus grand : celui d'un cheminement personnel, presque mystique.

D'un point de vue guitaristique, chaque morceau est un terrain d'équilibre entre contrôle et expressivité. Basilio joue sur des guitares signature, dotées d'un son cristallin, toujours parfaitement articulé. Les phrasés sont précis, les legatos fluides, les bends pleins d'intention. L'usage subtil de la whammy bar et des harmonies naturelles rappelle qu'elle maîtrise autant le langage du jazz que celui du worship contemporain. Elle jongle avec les modes (dorien, lydien) et les chromatismes sans jamais sacrifier la clarté du message.

Mais au-delà de la forme, Redemption est un album habité. Le choix des titres – “Running to the Light”, “Peace Within”, “Never Alone” – n'est pas anodin. La musique devient ici une prière silencieuse, un acte de gratitude et de confiance. Dans un monde saturé, Basilio offre un espace de respiration. Chaque note semble déposée avec humilité, dans l'élan d'une foi vivante.

La production, minimaliste et chaleureuse, renforce cette impression de proximité spirituelle. Pas d'effets superflus, mais une réverbération qui invite à l'introspection. Chaque silence compte. Et c'est peut-être là la plus grande force de Redemption : faire de la virtuosité un acte d'élévation, et de la guitare une voix d'espérance.
Un disque essentiel pour celles et ceux qui croient encore que la musique peut guérir, élever, réconcilier.

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