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Denis Bioteau lance son projet d'album diX SoNANCES

Chrys — 2026-04-15T15:11:57Z

Le compositeur Denis Bioteau dévoile diX SoNANCES, un nouvel album ambitieux pour big band. Porté par une campagne de financement participatif, ce projet rassemble musiciens et public. Une création moderne entre jazz, fusion et musiques actuelles.

Le compositeur et orchestrateur Denis Bioteau s'apprête à franchir une nouvelle étape dans son parcours artistique avec diX SoNANCES, un second album écrit pour son it-big BAND. Pour concrétiser ce projet d'envergure, il fait aujourd'hui appel au public à travers une campagne de financement participatif.

Un projet collectif qui a besoin de soutien

Enregistré avec une formation de seize musiciens, enrichie par des invités, diX SoNANCES dépasse le cadre d'un simple album. Il s'agit d'une production ambitieuse, nécessitant des moyens importants : enregistrement, mixage, mastering, mais aussi logistique liée à un ensemble orchestral conséquent.

En sollicitant directement le public, Denis Bioteau invite les auditeurs à devenir acteurs du projet, à soutenir concrètement la création et à participer à l'émergence de cette nouvelle œuvre.

Dix compositions, dix univers à soutenir

Comme son nom l'indique, diX SoNANCES se compose de dix titres aux identités marquées. Chaque pièce explore une ambiance différente, mêlant influences jazz, fusion, rock et pop.

Ce travail de composition et d'orchestration, particulièrement exigeant, repose sur une recherche approfondie des textures et des timbres. L'implication du public à travers le crowdfunding devient ainsi un levier essentiel pour permettre à cette richesse musicale de prendre pleinement forme.

Une dynamique participative au cœur de la création

En lançant cette campagne, Denis Bioteau affirme une vision de la musique profondément ancrée dans le partage. Le financement participatif devient ici un prolongement naturel de sa démarche artistique : fédérer, rassembler, et créer du lien autour de la musique.

Soutenir diX SoNANCES, c'est donc bien plus que précommander un album. C'est accompagner un projet de création ambitieux, porté par une équipe de musiciens engagés, et contribuer à faire exister une œuvre qui ne demande qu'à résonner.

Liens utiles

Campagne de financement participatif :
https://fr.ulule.com/denisbioteau-dix-sonances/

Facebook :
https://www.facebook.com/denisbofficiel

Instagram :
https://www.instagram.com/denisbioteau

YouTube :
https://www.youtube.com/results?search_query=denis+bioteau

Site officiel :
https://www.denisbioteau.com

Alimentation ZAM pour instruments actifs

Chrys — 2026-03-01T16:30:00Z

Créé en 2008, le ZAM de Zampower a transformé l'alimentation des instruments actifs grâce à une tension stable et un son constant. Adopté par de nombreux musiciens depuis son lancement, il garantit fiabilité, performance et sérénité sur scène comme en studio. Un outil durable et essentiel pour éviter les pannes de piles et améliorer la qualité sonore de tout instrument actif.

Parmi les innovations discrètes mais essentielles qui améliorent réellement la vie des musiciens, le ZAM de Zampower occupe une place à part. Conçu pour remplacer définitivement les piles des instruments actifs, ce petit boîtier est devenu au fil du temps un compagnon indispensable pour de nombreux bassistes et guitaristes. Il offre une alimentation externe stable, propre et continue, pensée spécialement pour les électroniques fonctionnant en 6, 9 ou 18 volts. Le principe est simple. Le ZAM se connecte à l'instrument via un câble jack stéréo, envoie un courant parfaitement régulé directement au préampli et élimine totalement la dépendance aux piles. L'instrument reçoit alors une tension constante qui garantit un niveau de performance maximal en toute circonstance.

Une invention née de l'expérience du terrain

Le ZAM a été imaginé et développé par trois musiciens et techniciens passionnés. Dominique Bertram, Franck Bedez et Philippe Sutter ont uni leurs compétences pour mettre au point un dispositif fiable, sécurisé et adapté aux exigences de la scène comme du studio. Leur idée s'est rapidement imposée comme une innovation réelle, au point d'être distinguée au Concours Lépine. Le succès du projet doit beaucoup à leur connaissance intime du matériel, des contraintes des musiciens et des faiblesses du système traditionnel basé sur les piles. Ils ont voulu proposer une solution technique simple, efficace et immédiatement exploitable. Leur démarche a abouti à un concept suffisamment novateur pour être protégé par un brevet.

Une technologie discrète mais déterminante

La force du ZAM réside dans sa fiabilité. Lorsque l'on utilise un instrument actif, la moindre variation de tension peut modifier la dynamique, l'équilibre tonal ou même provoquer des coupures brutales lorsqu'une pile faiblit. Le ZAM supprime ces aléas en maintenant une alimentation parfaitement constante. Le résultat se ressent immédiatement. Le son gagne en présence, en précision et en ouverture. Les graves deviennent plus stables, les aigus plus nets et la réponse globale de l'instrument demeure régulière, quel que soit le contexte. Le boîtier propose également une fonction Mute très utile pour s'accorder silencieusement ou gérer un changement rapide. Il s'intègre naturellement dans un set sans perturber les habitudes de jeu.

Un équipement qui ne quitte jamais mon set

Depuis son lancement, j'utilise le ZAM au quotidien. Je l'ai adopté dès son apparition et il fait partie intégrante de mon matériel depuis le premier jour. Impossible pour moi de revenir aux piles. La tranquillité d'esprit qu'il apporte vaut à elle seule son adoption, mais c'est surtout la constance du son qui me convainc soir après soir. Quand je branche mon instrument, je sais exactement à quoi m'attendre. Plus de perte de dynamique, plus de surprise, plus de pile qui lâche au mauvais moment. Le ZAM est devenu un élément essentiel de mon setup et je ne joue jamais sans lui. Il ne quitte tout simplement plus mon équipement.

Un choix intelligent pour les musiciens exigeants

Le ZAM s'adresse à celles et ceux qui recherchent à la fois confort, fiabilité et qualité sonore. Son installation demande parfois une vérification ou une légère adaptation de l'embase jack, mais une fois en place, il devient un véritable atout. Il permet également de réduire considérablement l'usage des piles, ce qui représente un geste économique et écologique. Pour les musiciens actifs, les techniciens de scène et les passionnés de son propre et constant, c'est une solution de choix. Et pour moi, c'est devenu un partenaire indispensable, un accessoire sans lequel je n'imagine plus jouer.

Lien d'achat.

Douleurs d'épaules guitare et basse (posture)

Chrys — 2026-02-28T16:30:00Z

Les douleurs d'épaules à la guitare et à la basse sont souvent liées à une mauvaise posture plus qu'au poids de l'instrument. En optimisant l'alignement de la colonne et l'organisation des omoplates, il est possible de réduire les tensions et de jouer plus longtemps sans douleur.

Douleurs d'épaules à la guitare et à la basse : mieux comprendre pour mieux jouer

Par Xavier Mallamaci, kinésithérapeute spécialisé dans l'accompagnement des musiciens

Les douleurs d'épaules, de trapèzes ou entre les omoplates sont extrêmement fréquentes chez les guitaristes et bassistes. Contrairement aux idées reçues, le problème ne vient pas uniquement du poids de l'instrument ou du fait de jouer longtemps, mais surtout de la manière dont le corps s'organise pour le supporter. À travers son travail auprès des musiciens, Xavier Mallamaci constate que ces douleurs sont très souvent liées à des stratégies de compensation inefficaces et à une méconnaissance du rôle réel de la posture.

Une asymétrie qui n'est pas forcément un problème

Il est essentiel de distinguer l'asymétrie des membres supérieurs de celle du rachis. L'asymétrie des bras n'est pas problématique en soi. Un guitariste ou un bassiste travaille nécessairement dans des positions asymétriques, et le corps sait parfaitement les gérer. En revanche, la colonne vertébrale — cervicale comme dorsale — doit rester la plus symétrique possible. Une colonne bien alignée, sans courbures excessives ou peu naturelles, constitue une structure suffisamment solide pour permettre aux bras d'évoluer librement. Ce n'est donc pas l'asymétrie des bras qu'il faut éviter, mais celle du rachis, qui doit rester organisé et stable pour supporter l'activité des membres supérieurs.

L'oublié majeur : l'ancrage au sol

Lorsque l'on parle de posture, on pense immédiatement aux épaules, mais l'élément fondamental reste le contact avec le sol. L'objectif de l'ancrage n'est pas seulement de stabiliser la colonne, mais surtout de la tonifier. Un ancrage efficace déclenche un réflexe neurologique automatique qui active une série de petits muscles profonds autour de la colonne vertébrale. Ces muscles ne sont ni visibles ni contrôlables consciemment, mais ils assurent la solidité du rachis. En utilisant correctement les appuis au sol, cette tonicité s'installe sans effort volontaire et rend la colonne beaucoup plus stable. C'est ce socle qui permet ensuite de mieux gérer le poids de l'instrument et l'asymétrie des bras.

Pourquoi les douleurs apparaissent

Lorsque la stabilité fait défaut, le corps met en place des compensations. Les muscles des épaules, des trapèzes et de la région interscapulaire ne sont pas conçus pour soutenir un effort prolongé. Ce sont des muscles capables de produire une force importante sur un temps court, mais peu endurants. Lorsqu'on leur demande de travailler longtemps, ils se fatiguent rapidement. Face à cette fatigue, le corps adopte des positions qu'il perçoit comme moins douloureuses sur le moment : épaules enroulées, épaules surélevées, dos figé. Ces positions semblent soulager temporairement, mais elles restent mécaniquement défavorables. Les muscles restent en difficulté et la douleur s'installe. Il devient alors nécessaire de créer un relais vers une organisation plus physiologique et plus durable.

La clé : omoplates écartées et épaules non surélevées

Il est important de préciser que l'on ne cherche pas à abaisser activement les omoplates. Chercher à les tirer vers le bas volontairement est fatigant et peu tenable dans le temps. L'objectif est simplement d'éviter qu'elles soient hautes. On laisse les épaules à leur hauteur naturelle, sans les hausser. L'abaissement est donc passif. En revanche, l'écartement des omoplates doit être conscient et clair. Cet écartement limite la sursollicitation des muscles situés entre elles et améliore la stabilité de l'épaule sans créer de tension excessive.

L'exercice indispensable : la poussée des coudes

Le grand dentelé joue un rôle central dans cette organisation. C'est l'un des muscles majeurs permettant l'écartement des omoplates sans abaissement actif. De plus, sa structure lui confère une meilleure capacité d'endurance et de maintien dans le temps. Un exercice simple permet de l'activer efficacement :

croiser les bras devant soi
pousser doucement les coudes vers l'avant et légèrement vers le bas
porter son attention sur l'écartement des omoplates

Il ne s'agit pas d'un effort maximal, mais d'une activation modérée. Cet exercice peut être utilisé avant de jouer, lors de l'apparition d'une tension ou même dans la vie quotidienne.

Créer une posture de référence, pas une posture figée

L'objectif n'est pas de maintenir une posture idéale en permanence. Il s'agit plutôt de définir une posture de référence. Cette position devient une sorte de “maison” biomécanique : un point de retour permettant au corps de récupérer et d'économiser de l'énergie. Il est tout à fait possible de sortir temporairement de cette organisation, d'enrouler une épaule ou de lever les bras, tant que cela reste bref. Si l'on revient régulièrement à cette posture de référence, les muscles peuvent se relayer et éviter l'installation de la douleur. Ce n'est pas la rigidité qui protège, mais la capacité à osciller intelligemment autour de cette référence stable.

Conclusion

Les douleurs d'épaules chez les guitaristes et bassistes ne sont pas une fatalité. Elles résultent le plus souvent d'une organisation posturale inefficace et d'une mauvaise répartition de l'effort musculaire. En travaillant l'ancrage au sol, la stabilité du rachis et l'écartement des omoplates grâce à des muscles endurants comme le grand dentelé, il devient possible de jouer plus longtemps, avec davantage de confort et moins de douleur.

Micro Prodipe STC-3D MK2 Lanen pour studio et voix

Chrys — 2026-02-27T16:30:00Z

Le Prodipe STC-3D MK2 Lanen est un microphone à condensateur professionnel au rapport qualité/prix exceptionnel. Conçu pour le studio, le podcast ou l'enregistrement d'instruments, il s'adapte à tous les usages grâce à ses trois directivités et sa grande précision sonore.

Dans l'univers des microphones de studio à condensateur, le Prodipe STC-3D MK2 Lanen s'impose comme une référence incontournable pour les home-studistes, les podcasteurs, les chanteurs et les ingénieurs du son à la recherche d'un micro performant, polyvalent et à un prix très compétitif.

Une collaboration avec Ludovic Lanen

Le STC-3D MK2 est le fruit d'une collaboration étroite entre Prodipe et Ludovic Lanen, ingénieur du son reconnu dans le milieu professionnel. Cette coopération vise à offrir une qualité sonore digne des micros de studio haut de gamme, tout en conservant une accessibilité financière pour les utilisateurs aux budgets plus modestes.

Microphone à large membrane et directivité variable

Le STC-3D MK2 est un microphone à condensateur à large membrane, ce qui lui permet de capturer un spectre sonore très large avec une grande précision, particulièrement dans les médiums et les aigus. Sa grande force réside dans la possibilité de choisir entre trois directivités : cardioïde, omnidirectionnelle et bidirectionnelle (figure en 8). Cette flexibilité permet de l'adapter à une grande variété de situations d'enregistrement :

En mode cardioïde, il capte essentiellement le son situé en face de la capsule, réduisant efficacement les bruits ambiants et les sons parasites latéraux. Idéal pour les voix, les instruments solo ou le podcasting.
En mode omnidirectionnel, il capte le son de manière égale de tous les côtés. Parfait pour les ambiances naturelles, les chorales ou les instruments acoustiques dans un environnement bien traité.
En figure en 8, il enregistre le son provenant de l'avant et de l'arrière tout en rejetant les sons latéraux, idéal pour les duos vocaux ou les interviews face-à-face.

Une qualité sonore remarquable

Le STC-3D MK2 offre une réponse en fréquence très équilibrée, allant généralement de 20 Hz à 20 kHz, capturant à la fois la chaleur des graves et la finesse des aigus. Le bruit propre est réduit au minimum, et la sensibilité est suffisante pour capter les nuances les plus subtiles de la voix humaine ou d'un instrument acoustique.

Grâce à son transformateur de sortie de qualité, il offre un signal audio propre et chaud, proche de ce que l'on attend de modèles bien plus coûteux.

Conception robuste et accessoires inclus

Prodipe n'a pas lésiné sur la construction : le STC-3D MK2 est entièrement en métal, avec une grille solide protégeant la capsule. Il est livré avec plusieurs accessoires indispensables pour un enregistrement de qualité :

une suspension antichoc (shockmount),
un câble XLR,
et une mallette de transport rigide,

…ce qui est rare à ce niveau de prix.

Un outil professionnel au prix d'un micro amateur

Ce qui distingue vraiment le STC-3D MK2, c'est son rapport qualité/prix imbattable. Pour moins de 150 €, il concurrence des modèles de marques beaucoup plus onéreuses, tout en offrant des performances qui répondent aux exigences des studios professionnels.

Conclusion

Le Prodipe STC-3D MK2 Lanen est un microphone de studio exceptionnel dans sa catégorie. Il allie qualité sonore, polyvalence et robustesse, le tout à un tarif extrêmement compétitif. Que vous soyez musicien, podcasteur, ingénieur du son ou simple passionné, ce micro représente un investissement intelligent et durable.

Pour en savoir plus ou l'acheter directement, rendez-vous sur la page officielle du produit : prodipe.com

Même pas peur de Rosaire Riccobono (méthode)

Chrys — 2026-02-24T14:34:32Z

Apprendre la basse électrique peut sembler complexe face à la profusion de contenus en ligne. Même pas peur de Rosaire Riccobono propose une méthode structurée et progressive pour accompagner les débutants vers une véritable autonomie musicale.

Apprendre la basse électrique en 2026 peut sembler paradoxal : d'un côté, une quantité infinie de tutoriels sur YouTube ; de l'autre, une dispersion qui décourage rapidement les débutants. C'est précisément dans cet espace que s'inscrit Même pas peur, publié chez Hit Diffusion. L'ouvrage propose une alternative structurée à l'apprentissage fragmenté que l'on trouve en ligne.

Une méthode pensée pour l'autodidacte moderne

Le positionnement du livre est clair : accompagner celles et ceux qui souhaitent apprendre la basse électrique de manière autonome, tout en évitant l'effet “ zapping pédagogique ”. Là où Internet offre des contenus isolés, Rosaire Riccobono propose un parcours progressif, articulé autour des fondamentaux :

le positionnement des mains
la lecture rythmique
les premières lignes de basse construites
l'apprentissage des gammes essentielles

L'approche est graduelle. Chaque notion est immédiatement mise en application, ce qui permet d'installer des réflexes techniques sans surcharger la théorie.

Une pédagogie orientée résultat

Ce qui distingue Même pas peur, c'est son orientation pragmatique. L'objectif n'est pas d'accumuler des connaissances abstraites, mais de jouer rapidement en situation musicale. L'auteur cherche à amener le lecteur vers l'autonomie : comprendre ce qu'il joue, mais surtout savoir l'utiliser.

Pour un débutant, cette logique est déterminante. Elle réduit la frustration et favorise une progression visible en quelques semaines de pratique régulière.

Aller au-delà des bases : slap et blues

Le livre ne s'arrête pas aux fondations techniques. Deux axes complémentaires enrichissent le parcours :

une initiation au slap, technique emblématique du funk et du groove, qui ouvre l'accès à un jeu plus percussif et dynamique
un module consacré au blues, langage fondamental pour développer le sens du groove, de la grille et de l'improvisation simple

Cette ouverture stylistique évite l'écueil de la méthode purement mécanique. Le travail technique est constamment replacé dans un contexte musical identifiable.

Internet versus méthode structurée

Le propos du livre est implicite mais pertinent : Internet donne accès à tout, sauf à une progression cohérente. Chercher des informations en ligne peut rapidement devenir contre-productif sans cadre pédagogique.

Même pas peur agit comme une colonne vertébrale. Une fois les bases consolidées grâce à la méthode, les ressources numériques deviennent plus exploitables et plus pertinentes.

À qui s'adresse ce livre ?

Cet ouvrage conviendra :

aux débutants complets souhaitant un cadre clair
aux guitaristes désireux de passer à la basse
aux autodidactes dispersés cherchant une progression logique
aux adultes reprenant un instrument après plusieurs années

Verdict

Même pas peur est une méthode structurée, pragmatique et orientée vers le jeu réel. Elle répond aux défis contemporains de l'apprentissage en ligne en proposant un cadre solide et progressif.

Pour quiconque souhaite aborder la basse électrique avec sérieux sans se noyer dans la masse d'informations disponibles sur Internet, cet ouvrage constitue une base rassurante et efficace.

Lien d'achat : Même pas peur

la Bunker, basse cinq cordes artisanale signée Gaetano Costanzo

Chrys — 2026-01-14T14:30:00Z

la Bunker est une basse électrique cinq cordes artisanale conçue par le luthier Gaetano Costanzo. Pensée pour les musiciens exigeants, elle associe lutherie soignée, électronique polyvalente et identité sonore affirmée, aussi à l'aise sur scène qu'en studio.

Bunker – Une basse cinq cordes d'exception signée Gaetano Costanzo

Conçue par le luthier Gaetano Costanzo, la Bunker est une basse électrique cinq cordes au caractère affirmé, pensée pour offrir puissance, précision et une polyvalence sonore de très haut niveau. Cet instrument incarne une approche de lutherie artisanale rigoureuse, où chaque choix technique est mis au service de la musicalité, de l'ergonomie et de la fiabilité.

Une lutherie orientée équilibre et efficacité

Le corps en aulne constitue le socle sonore de Bunker. Ce bois est reconnu pour son équilibre fréquentiel, offrant des graves solides, des médiums bien présents et des aigus clairs sans agressivité. Il garantit une excellente lisibilité, aussi bien en situation de jeu live qu'en studio.

Le manche en érable avec touche palissandre, doté de 24 frettes et d'un diapason de 34”, assure une sensation de jeu à la fois familière et précise. L'érable apporte attaque et définition, tandis que le palissandre adoucit le rendu pour un toucher confortable et une réponse plus chaleureuse. L'accès aux registres aigus est fluide, ce qui rend l'instrument aussi efficace en accompagnement qu'en jeu soliste.

Une électronique artisanale au cœur de la polyvalence

L'électronique, développée spécifiquement pour cet instrument, offre une architecture claire mais extrêmement complète :

Volume micro manche avec push-pull actif / passif, permettant de passer instantanément d'un son moderne et sculpté à une approche plus organique et directe
Volume micro chevalet
Égalisation active trois bandes : basses, médiums, aigus
Deux mini-switches de split, un par micro, proposant trois configurations chacun :
simple bobinage
humbucker
double simple

Cette combinaison permet d'explorer une large palette sonore, allant de sons ronds et profonds à des textures très définies et percussives, adaptées aussi bien au funk, au jazz moderne qu'aux musiques actuelles et progressives.

Accastillage fiable et conception soignée

Les mécaniques Gotoh assurent une excellente stabilité d'accord, essentielle sur une basse cinq cordes. Le chevalet artisanal, conçu spécifiquement pour l'instrument, favorise une transmission optimale des vibrations et renforce la sensation de solidité et de précision sous la main droite.

Une finition au caractère affirmé

La finition nitrocellulosique sunburst rouge confère à Bunker une identité visuelle forte et élégante. Fine et respirante, la nitrocellulose laisse le bois vibrer librement et évoluera avec le temps, apportant à l'instrument une patine naturelle et unique.

Conclusion

La Bunker est une basse cinq cordes artisanale destinée aux musiciens exigeants, à la recherche d'un instrument polyvalent, expressif et fiable. Elle reflète une vision cohérente de la lutherie moderne, où le soin apporté aux matériaux, à l'électronique et aux finitions se traduit par un instrument doté d'une véritable identité sonore et d'un fort potentiel musical.

Nicolas Fiszman "Nicolas Fiszman"

Chrys — 2025-12-26T14:48:48Z

Avec son album éponyme paru en 2023 chez Cristal Records, Nicolas Fiszman dévoile une facette plus intime de son univers. Connu comme bassiste, il revient ici à la guitare pour un jazz moderne, élégant et profondément collectif.

Sorti en 2023 sur le label Cristal Records, l'album Nicolas Fiszman marque une étape importante dans le parcours de l'artiste. Principalement connu pour son rôle de bassiste, Nicolas Fiszman a choisi, pour ce projet personnel, de revenir à son instrument initial : la guitare. Un retour aux sources qui donne à cet album une dimension intime et profondément assumée.

Projet éponyme, le disque agit comme une prise de parole claire, où le musicien expose sans détour son univers, fait de nuances, d'écoute et d'équilibre. Dès les premières plages, l'album installe un climat de confiance. La guitare de Fiszman ne cherche jamais l'esbroufe ; elle privilégie la ligne juste, le placement précis et le rapport sensible au son.

Le jazz qui traverse cet album est résolument contemporain, mais jamais déconnecté de ses racines. On y retrouve un sens aigu de la mélodie, une écriture structurée mais ouverte, et surtout une attention constante portée au jeu collectif. Chaque morceau semble construit comme un espace de dialogue, où l'improvisation ne rompt jamais le fil narratif.

Cette richesse sonore doit beaucoup à la qualité des musiciens réunis autour de Nicolas Fiszman. À ses côtés, Ziv Ravitz à la batterie et Nicolas Thys à la basse forment une section rythmique souple et inventive. Les couleurs s'élargissent avec Olivier Bodson au bugle et à la trompette, Frank Deruytter au saxophone ténor, Arnould Massart et Nicola Andrioli au piano, ainsi que Tuur Florizoone à l'accordéon, dont les interventions apportent une dimension singulière et expressive à l'ensemble. À noter également la présence remarquée de Philip Catherine, invité spécial, pour un solo de guitare tout en élégance et en maîtrise.

Les ambiances oscillent entre introspection et énergie contenue. Certaines pièces invitent à une écoute presque méditative, tandis que d'autres s'appuient sur une rythmique plus affirmée, toujours au service du discours musical. Cette alternance donne à l'album une dynamique naturelle, sans rupture artificielle.

L'écriture de Nicolas Fiszman évoque parfois un caractère cinématographique, tant les paysages sonores sont suggérés avec finesse. Les silences, les textures et les variations de timbre participent pleinement à l'identité du disque, renforçant cette impression de cohérence et de maturité.

Avec Nicolas Fiszman, le musicien livre un album posé, sincère et profondément musical. Un disque qui ne cherche pas à séduire par l'effet, mais par la qualité de son propos et la justesse de son expression. Une œuvre qui s'adresse à l'auditeur attentif et qui révèle toute sa richesse au fil des écoutes.

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Precious Time 3 de Sébastien Charlier

Chrys — 2025-12-16T09:00:00Z

Avec PR3-TM3 Sébastien et Nicolas livrent le troisième et dernier volet d'une trilogie ambitieuse. Conçu en duo cet album met en lumière un dialogue musical intense où le temps le son et l'écoute deviennent centraux.

Precious Time 3 : la conclusion d'une trilogie essentielle

PR3-TM3 est le troisième et dernier volet d'une trilogie imaginée par Sébastien et Nicolas. Dès l'origine, cette série d'albums a été pensée comme un terrain d'exploration autour du temps, du son et des possibilités expressives de l'harmonica diatonique. Ce dernier chapitre en est l'aboutissement naturel (à la fois synthèse, affirmation et point final).

Dès les premières mesures, l'album impose une évidence (ici, la virtuosité n'est jamais gratuite). Si Sébastien impressionne toujours par sa maîtrise technique hors normes (altérations d'une précision chirurgicale, phrasé d'une fluidité remarquable, capacité rare à faire oublier l'instrument au profit d'une expression musicale totalement libre), tout est désormais mis au service du sens. L'harmonica devient une voix à part entière, capable de porter un discours musical riche, nuancé et profondément personnel.

Le choix du format en duo, uniquement composé de Sébastien et de Nicolas Espinasse, est au cœur de l'identité de ce troisième volet. Cette configuration radicale met la musique à nu. Sans couches superflues ni artifices, chaque note, chaque accent, chaque silence prend une importance particulière. Le temps, fil conducteur de la trilogie, devient ici une matière vivante, presque palpable.

Nicolas Espinasse occupe une place essentielle dans cet équilibre. Plus qu'un simple partenaire, il est un véritable interlocuteur musical. Sa présence structure le discours, nourrit le dialogue et permet à la musique de se déployer avec liberté et tension. La relation entre Sébastien et Nicolas repose sur une écoute constante, où l'improvisation se construit dans l'instant, avec une confiance mutuelle évidente.

Comparé aux deux premiers albums de la trilogie, PR3-TM3 se distingue par une forme d'évidence tranquille. Là où les précédents volets pouvaient parfois donner le sentiment d'un défi permanent, ce troisième chapitre respire la maturité. Sébastien n'a plus rien à prouver (il raconte, il suggère, il laisse respirer la musique). Cette posture donne à l'album une profondeur qui se révèle pleinement à mesure que les écoutes se multiplient.

En refermant cette trilogie, Sébastien et Nicolas livrent une œuvre dense et cohérente. PR3-TM3 s'impose comme une conclusion habitée, où deux voix suffisent à créer un univers complet, et où le temps devient, plus que jamais, un espace de liberté musicale.

Lien d'achat Precious Time 3

Gaetano Costanzo luthier napolitain

Chrys — 2025-12-15T14:57:03Z

Dans son atelier de Naples, Gaetano Costanzo façonne des instruments uniques où savoir-faire, précision et innovation se rencontrent. Entre tradition artisanale et recherche sonore, il crée basses, guitares et modèles spéciaux pour musiciens exigeants. Immersion dans l'univers d'un luthier qui place le musicien au cœur de chaque création.

À Naples, la précision a un nom, Gaetano Costanzo

Dans l'agglomération napolitaine, au numéro 58 de la via Gabriele Cirillo, un petit atelier vibre au rythme régulier des rabots, des aimants et des bobines de cuivre. C'est là que travaille Gaetano Costanzo, artisan dont la réputation grandit loin des projecteurs mais au cœur des scènes musicales italiennes. Luthier par vocation tardive mais passion ancienne, il a bâti son savoir-faire à force d'expériences, d'essais, d'erreurs assumées et d'une obsession : créer des instruments qui respirent l'élégance, la légèreté et la musicalité.

Un parcours né d'un coup de foudre pour la basse

Rien ne destinait réellement Costanzo à la lutherie, sinon l'appel irrésistible de la basse. Il débute la guitare à neuf ans, puis se tourne vers l'instrument grave pour suivre les traces de Paul McCartney. À dix-huit ans, l'idée lui vient de façon presque instinctive : fabriquer lui-même ses propre instrument. Les premiers essais sont approximatifs, mais l'envie devient moteur. Les ouvrages spécialisés s'accumulent, les nuits d'expérimentation aussi.

Le tournant survient lorsqu'il croise Carlo Mazzaccara, figure incontournable de la lutherie traditionnelle. Pendant deux ans, ce mentor lui transmet méthodes artisanales, secrets de fabrication de mandolines, minutie à l'ancienne. Une formation exigeante qui élève son niveau, tout en l'aidant à puiser dans ses origines pour développer sa propre identité sonore.

Des instruments façonnés dans le détail

Aujourd'hui, son atelier produit une large palette de basses, guitares électriques, acoustiques, barytons, sans oublier quelques mandolines électriques. Chaque instrument est construit avec une logique cohérente, presque architecturale.

Corps : l'aulne domine, choisi pour sa légèreté, sa facilité de travail et sa signature sonore.
Manches : l'érable, indétrônable selon lui, pour sa stabilité et sa clarté tonale.
Touches : érable ou palissandre, selon l'esthétique et le grain de jeu recherchés.

Pour l'accastillage, il privilégie les mécaniques Gotoh, mais s'adapte volontiers aux préférences Schaller ou Hipshot. Les chevalets de basse sont entièrement fabriqués maison, en laiton brut, puis plaqués or, chromés ou thermolaqués.

L'électronique est un chapitre à part entière : Costanzo bobine lui-même ses micros, utilisant exclusivement des aimants Alnico V et du fil de cuivre émaillé à double isolation, calibre AWG 42 à 44 selon le voicing souhaité. Les circuits actifs sont réalisés sur mesure par un ami technicien, garantissant une cohérence parfaite entre l'acoustique, la mécanique et le cœur électrique de l'instrument.

Une philosophie tournée vers le musicien

Pour lui, un instrument réussi repose sur trois fondamentaux : légèreté, jouabilité, esthétique. Rien de superflu, rien d'ornemental sans fonction. Son travail est une conversation continue avec chaque musicien. Certains arrivent avec une vision sonore précise, d'autres avec un dessin griffonné. Dans tous les cas, luthier et client définissent ensemble les bois, l'électronique, la forme. Une fois les plans réalisés à l'échelle 1:1, les gabarits prennent forme et la construction commence.

Les délais oscillent entre deux et quatre mois selon la complexité, et l'atelier assure aussi réglages, réparations et ajustements. Sa clientèle va de l'amateur exigeant au professionnel chevronné, mais chacun bénéficie de la même écoute.

Son conseil aux musiciens est limpide : jouer jusqu'à sentir si l'instrument s'adapte à eux. “La bonne lutherie doit libérer, jamais contraindre”

Le projet Piccolo Contra, une idée ambitieuse

Son œuvre la plus récente témoigne de son esprit inventif : la Piccolo Contra, une basse semi-acoustique pensée pour offrir la profondeur de la contrebasse… sans l'imposante silhouette. Le projet est né grâce aux échanges avec maestro Dario Deidda et Rosaire Riccobono, figure de proue de l'expérimentation musicale. Résultat : un instrument hybride, singulier, pensé pour les bassistes qui cherchent une nouvelle dimension sonore et une mobilité accrue.

Naples comme point d'ancrage, l'expérimentation comme horizon

Pour Costanzo, l'avenir n'a rien de figé. De nouveaux outils, de nouvelles solutions, peut-être de nouveaux formats d'instruments : tout reste ouvert tant que l'exigence artisanale demeure intacte.

Ceux qui souhaitent le rencontrer peuvent pousser la porte de son laboratoire napolitain ou le contacter via ses pages sociales. Derrière le bois, le métal et le cuivre, on découvre un artisan qui défend une vision généreuse : celle d'un instrument comme prolongement naturel du musicien, façonné avec patience, écoute et précision.

Photos : Pascal Vicart

Sébastien Charlier maître de l'harmonica

Chrys — 2025-12-10T12:20:00Z

Figure incontournable de l'harmonica diatonique, Sébastien Charlier a redéfini les possibilités de l'instrument grâce à une maîtrise technique unique et un langage musical moderne. Son approche chromatique, sa pédagogie reconnue et son parcours singulier en font une référence majeure pour les musiciens. Ce portrait retrace l'évolution d'un artiste qui a repoussé toutes les limites du diatonique.

Sébastien Charlier ou la trajectoire d'un pionnier de l'harmonica moderne

Il y a des musiciens qui suivent des chemins tracés et d'autres qui bousculent l'ordre établi. Sébastien Charlier appartient clairement à la seconde catégorie. En quelques décennies, il a transformé la perception d'un instrument que beaucoup croyaient limité : l'harmonica diatonique. Son parcours, sa philosophie et son œuvre forment une véritable révolution musicale.

Des débuts modestes, une curiosité immense

Né en 1971 en région parisienne, Sébastien Charlier découvre l'harmonica à l'adolescence. Rien ne laissait présager que ce petit instrument deviendrait le centre de sa vie artistique. Pourtant, très tôt, il développe une relation instinctive avec lui. Alors que la plupart des joueurs apprennent quelques mélodies populaires ou quelques riffs de blues, lui s'interroge déjà : comment aller plus loin ? Comment dépasser les limites apparentes de cet instrument ?

Sa jeunesse est marquée par une ouverture musicale étonnante : il explore différents instruments, s'intéresse à l'harmonie, à la structure de la musique et cherche sans cesse à comprendre ce qui se cache derrière les sons. Cette curiosité, presque scientifique, deviendra la base de tout ce qu'il construira par la suite.

Une vision nouvelle, libérer l'harmonica

L'une des grandes forces de Sébastien Charlier est de n'avoir jamais accepté la vision traditionnelle du diatonique. Pour lui, un instrument n'a de limites que celles que l'on accepte. Très tôt, il explore les altérations avancées, les overblows, les overbends et façonne un jeu totalement inédit.

Là où beaucoup considèrent le diatonique comme limité, Sébastien développe un langage chromatique complet. Grâce à lui, l'harmonica n'est plus un simple accompagnateur de blues, il devient un véritable instrument soliste, expressif, audacieux et capable de parcourir tous les styles.

Cette évolution n'est pas seulement technique. Elle est artistique. Sébastien travaille son phrasé comme un saxophoniste, l'élégance d'un violoniste et l'énergie d'un guitariste de fusion. Il donne à l'harmonica une voix nouvelle : moderne, fluide, singulière.

Les premiers projets, la scène comme laboratoire

Dans les années 1990, Sébastien multiplie les collaborations, enseigne et joue sur scène. Il forme un duo marquant avec le guitariste Nicolas Espinasse, où il peut expérimenter librement. Leurs premiers albums montrent déjà une volonté forte d'explorer des terrains inattendus : jazz acoustique, improvisation, fusion…

Très vite, Sébastien se distingue comme l'un des rares harmonicistes capables de naviguer dans des environnements harmoniques complexes. Sa technique impressionne, mais ce qui marque le plus, c'est sa musicalité (rien n'est gratuit, tout est au service de la ligne mélodique).

Un tournant majeur - l'émergence du “Sébastien Charlier moderne”

Le milieu des années 2000 marque une étape clé. Avec des projets ambitieux et des collaborations prestigieuses, le jeu de Sébastien Charlier prend une dimension nouvelle. Le diatonique devient, entre ses mains, un instrument totalement chromatique. La critique spécialisée salue sa capacité à rendre l'impossible naturel.

Ses albums révèlent ce virage, écriture soignée, improvisations ciselées, goût du risque, élégance rythmique. Sébastien crée un son identifiable dès les premières mesures.

Une pédagogie révolutionnaire

Parallèlement à sa carrière d'interprète, Sébastien Charlier construit une œuvre pédagogique considérable. Il publie des méthodes, des cahiers de l'Harmonica, des guides techniques devenus aujourd'hui des références incontournables.

Son approche repose sur trois piliers :

la technique expliquée avec précision et progressivité
l'harmonie toujours au cœur du propos
la musicalité comme objectif ultime

Ses ouvrages ont profondément transformé la manière dont l'harmonica est enseigné. Pour toute une génération, ils ont été un déclic. Grâce à Sébastien Charlier , le diatonique quitte le statut d'instrument instinctif pour devenir un instrument pleinement maîtrisable.

Une discographie éclectique et raffinée

Au fil du temps, Sébastien Charlier publie des projets variés : albums intimistes, jazz moderne virtuose, fusion électrique, collaborations multiples. Chaque disque porte une identité forte, un son reconnaissable, un respect profond pour la musique, une volonté permanente d'explorer.

Un héritage déjà tangible

Transformer durablement la perception d'un instrument est rare. Pourtant, c'est ce que Sébastien Charlier a accompli. Aujourd'hui, de nombreux harmonicistes (en France comme ailleurs) se réclament de son influence : langage chromatique, goût du jazz contemporain, exigence technique, curiosité artistique.

Sa contribution pédagogique constitue également un héritage déterminant. Il a offert des outils concrets pour progresser, comprendre, et surtout ouvrir de nouvelles portes musicales.

le profil d'un bâtisseur

La carrière de Sébastien Charlier est celle d'un artiste qui refuse les cadres. Un musicien prêt à redéfinir un instrument et à imaginer un avenir que personne n'avait envisagé. Virtuose, chercheur, compositeur, pédagogue, il a façonné un style à la fois moderne, élégant et visionnaire, tout en inspirant une nouvelle génération d'harmonicistes plus libres, plus ambitieux et plus inventifs.